Obras Cumbres: King Crimson - Red (1974)

Recientemente compré, por primera vez, un disco de vinilo de edición nacional. Serie Super Lujo narra su contraportada, "Disco es Cultura", "Producto Argentino". Sobre el centro del mismo se aprecia la lista del lado A: Rojo, Ángel Caído y Una Última Pesadilla Roja. Estamos hablando de un álbum que marcó un antes y un después en una de las bandas más importantes del Rock Progresivo, y de la música contemporánea en general (y uno de los favoritos de quien les escribe). Así que, mientras lo hago girar por primera vez, aprovecho para narrar un poco qué es lo que este disco me transmite y qué lo hace tan especial.

Instrumentalmente, la complejidad tanto técnica como sonora juega un papel fundamental a lo largo de toda su duración. En cada canción, la tensión se modifica entre cada segmento, a través de cambios de tiempo, de escalas y de unos altibajos en la intensidad que nos muestran distintos ánimos  y actitudes. Constantemente la música nos presenta distintas caras de una misma moneda, y se las arregla para agarrarnos por sorpresa cada vez que revela una nueva intención. Y es que justamente, creo que este es uno de los pilares fundamentales en donde se desarrolló el uso del virtuosismo en el Rock, para crear ambientes complejos y a su vez deleitables. Nos muestran que el caos no tiene el mismo efecto si no viene precedido de armonía, y que la vuelta a la estructura lineal es mucho más majestuosa si cumple con su objetivo de restaurar el orden.

El primer tema, "Red", marca la pauta para el resto. Es una canción instrumental, con un potente riff que muchos pueden considerar intrincado, resultando simultáneamente fuerte y apacible, ya que su intensidad se ve ofuscada al final de cada compás. Los constantes cambios de tempo hacen al tema inestable pero siempre robusto, dándonos un perfecto ejemplo del estilo de Robert Fripp, que nos mantiene esperando en cada melodía, creando atmósferas de misterio y sorprendiéndonos una vez tras otra.

El disco continúa con Fallen Angel, la cual comienza como una balada muy tranquila, de tintes épicos e instrumentación muy simple. A medida que los versos avanzan empiezan a aparecer nuevos arreglos que acompañan al arpegio de guitarra, conduciendo de forma muy llevadera a una melodía que augura una nueva dirección en el tema. En el estribillo, la ya mencionada naturaleza dual de la banda reaparece, elimina la calma de los versos y le da a la canción cierto tono lúgubre. Cabe destacar que la muerte ha sido siempre uno de los temas más recurrentes del grupo, y este caso no es la excepción. La mezcla entre deslumbre y pena es retratada por las melodías atonales que se suman al pasar del tema.

Llegando al final del lado A, aparece One More Red Nightmare. Una canción opuesta a la anterior, donde prepondera un clima más cálido y estridente. Probablemente sea el tema más "agradable" al público general, con un groove notable que se intercala con remates  más fríos, similares a los mencionados en el tema homónimo. Al avanzar, aparece un apartado instrumental que gira en torno a un arpegio de guitarra, que sirve como transporte para la improvisación de los distintos instrumentos que lo acompañan, para volver una vez más a la trama principal del tema y finalizar de una forma abrupta.

Comenzando el lado B tenemos Providence, una obra instrumental de 8 minutos que resume muy bien de forma general el estilo improvisador de la banda. Estamos hablando de una canción que por momento tiene tintes de género vanguardista, disonante e inquietante, hasta que bajo y batería aparecen con un ritmo más amigable y un sonido abrupto, que eleva la acción a su índole pesada.
Acá aprovecho para mencionar a Bill Bruford, quien es considerado por muchos como uno de los mejores bateristas de su generación. La forma en la que maneja los matices de cada compás, para dotar a la percusión de fluidez hasta en los tempos más intrincados, es un factor fundamental para lograr que música tan compleja logre mostrar los niveles de energía y adrenalina, dignas de cualquier género pesado y simple del mainstream.

Y para el final, llega lo mejor. Honestamente Starless creo que es una de las piezas musicales más majestuosas de la historia, así que espero entiendan la subjetividad con la que voy a tratar de describirla. La premisa del tema es totalmente sencilla, transmitiéndonos un tono celestial de claridad y adoración, a través de una suave melodía que ejecuta la guitarra con un tono muy peculiar (hay que denotar el uso del mellotron en el tema y cómo el resto de los instrumentos logran alienarse a su tonalidad). Los versos son recorridos al unísono por cada integrante, liderados por la voz de Wetton, que pareciera hacer un esfuerzo increíble para narrar cada oración, como si sus palabras fueran obvias y dolorosas a la vez, esto provoca un efecto triste, pero digamos..irremediable. Como la nostalgia, nos produce un sentimiento amargo pero bienvenido.

Al poco tiempo estos versos cesan, y si bien la calma continúa un poco más, lo hace de una forma más trágica y con un interminable suspenso. La mayor parte de la instrumentación queda en silencio, el tempo cambia a un ritmo inhabitual, y ahora es la guitarra la que continúa guiándonos el camino. Una melodía lenta pero segura, avanza tomando el control, como si estuviéramos recorriendo un sendero que se nos había predicho, y nos encontramos de cara a los miedos que antes habíamos declarado conocer. A partir de acá el tema se pone cada vez más oscuro y pesado. De a partes acelera, las melodías se tornan incómodas y furiosas. Fripp hace uso de sus famosos solos con licks atonales y aumenta la velocidad para lograr mayor desconcierto en el oyente.
Es aquí donde todo el caos que se estuvo trabajando en distintas partes de cada tema llega a su punto cumbre, los distintos ritmos de cada instrumento colisionan entre sí, llegando a un desastre épico tan vigoroso como efímero, dando pie así al clímax de la canción: la melodía inicial del tema vuelve haciendo un regreso triunfal, que simultáneamente termina con la atmósfera caótica mientras reafirma la intensidad, acompañada por una instrumentación más estructurada y poética hasta culminar la obra.

Para concluir, hay que decir que Red se hizo su lugar en la historia como uno de los pilares del Rock Progresivo. No quizá por el lado de la originalidad o desarrollo pionero, sino como una obra que llevó el género a su punto cúspide. Muchas veces el público vincula a lo Progresivo únicamente con el despliegue virtuoso y no con la constante reinvención y evolución que su origen sugiere. Con su obra, King Crimson usa la complejidad instrumental y melódica como un instrumento para lograr manifestar sobre el oyente el estado emocional que su carácter requiere, y como vehículo para transferirnos el mensaje de cada una de sus partes de forma soberbia.

La Credibilidad de la Música

Nunca comenté en el blog que cierta parte de mi vida la dedico a ser músico. Si bien siempre lo hice en un ambiente amateur, sin grandes pretensiones y, hasta la fecha, ningún lanzamiento que valga la pena mencionar, mi dedicación al mundo del arte transgrede un poco la simple apreciación del trabajo ajeno.

Recientemente en una conversación de este tópico en una congregación de gente conocida, salió el tema de la creación de obras musicales; cómo elaboraba cada tema, qué buscaba lograr al escribir una letra o al generar cualquier segmento melódico, etc. y, si bien nunca me consideré a mi mismo un artista, tuve que hacer una fuerte separación entre las canciones realizadas únicamente para tener algo que tocar, de forma que sea complaciente con los oídos de la mayor parte del público a los que pueda llegar, y la música que realizo para mí mismo, y que sale hacia afuera de forma necesaria para mi propia complacencia, y como un mecanismo de comunicación y a su vez entendimiento propio con lo que me rodea. Si bien también existen casos en que los temas son una combinación de estos conceptos, es con el material creado bajo la segunda exposición mencionada con los que tengo un estrecho cariño y apego, y siempre me siento orgulloso de haberlos creado, independientemente del valor objetivo que se les pueda dar.

Son muchos los factores que afectan  a la hora de definir qué tipo de pieza estoy realizando. Muchas veces me doy cuenta en el momento en que encuentro alguna melodía particular o pienso en un corte de ritmo, que quedarían muy bien en la composición bajo los estándares generales, pero me niego a utilizarlos ya que no creo que sean representativos de lo que estoy buscando transmitir, no me parecen honestos con la razón de ser de esa obra.

Y esta situación se repite en muchas situaciones de la vida cotidiana, más allá de los procesos de composición. Un ejemplo podría ser la elección de un tatuaje. Si bien existen multitud de razones por las que cada cual realiza este tipo de distintivos sobre su cuerpo, muchas veces se debe más a buscar una representación significativa, que solamente a tener un diseño que quede lindo en nuestra piel. Si quiero tatuarme un símbolo sobre el corazón, para demostrar mi admiración y estima por lo que su significado representa, entonces probablemente no haya otro lugar para realizarlo que no sea ese (obviamente me refiero a mí mismo como si fuese una persona convencida de que solo así puedo mostrar el concepto de lo que busco representar). Y si sucede que ciertas razones estéticas o ideologías sociales me hacen pensar que un tatuaje sobre el corazón "no queda bien" o "no da tenerlo" entonces probablemente esta ilustración  ya no esté justificada y pierda todo sentido, porque realizar ese símbolo en cualquier otra parte del cuerpo no tendría el mismo efecto, y la cuestión es que no era la imagen como marca sobre mi cuerpo lo que estaba buscando, sino el mostrar una idea que marcó a mi corazón.

Y a partir de acá volvemos a la música, y cómo esto, que parte de mi ideología del arte, me afecta a la hora de apreciar el trabajo realizado por otro. Muchas veces me sucede que escucho material de cierto intérprete, y el problema no es lo que dice ni lo que toca, sino que sencillamente no le creo. No me parece que su interpretación sea auténtica, sino una mera representación externa que intenta simular los sentimientos y/o ideas que pretende describir. Creo que la forma más fácil de visualizar este concepto es analizando las letras y el enfoque que el intérprete realiza sobre las mismas. Existen multitud de artistas que mencionan al amor (o quizá sea el desamor) en su obra, y cómo este los hace sentir y pensar, así como también nos mencionan los problemas y el dolor que surgieron de sus experiencias afectivas. Pero, ¿Cuántos de estos nos logran conducir realmente a que nosotros sintamos lo que tan elocuentemente se nos describe?. Y ojo, porque mencionar una situación con la que nos veamos identificados no es lo mismo que penetrarnos con una emoción. Sí, es verdad, si una canción dice "Te voy a extrañar..." obviamente nos va a conmover si nos vemos afectados por la ausencia de alguien en nuestra vida, pero eso no quiere decir que el artista haya dado en el clavo, sino que sin querer o a consciencia utiliza un golpe bajo con el cual es muy difícil errarle. De hecho ya que mencioné ese ejemplo podemos comparar dos casos líricamente idénticos, y evaluar el "I miss you" entonado en el estribillo de la canción homónima de Blink 182 y el que realiza Brian McMahan en el épico desenlace del tema "Good Morning, Captain" de Slint (aquellos que quieran literalmente hacer la comparación, y no conozcan el último tema mencionado, tener en cuenta que adelantar la canción y aislar el momento en cuestión no tendrá el mismo efecto).

Creo que esto se refleja en 2 aspectos muy reiterativos en el mundo de la música. Por un lado, he escuchado a variedad de músicos hablar de cómo el amor los hizo sentir, cómo los destruyó o despertó sus mayores temores, pero la mayoría de ellos solo me transmiten el hecho de que una persona intenta manipularme para que piense "¡Oh! ¡Qué profundo! Qué habilidad que tiene este artista para retratar la realidad". Tantas baladas nos hablan de temas altamente simpatizantes como el amor y la muerte, pero cuando viene otro que simplemente realiza una respuesta a estos conceptos, como un grito, un llanto, una tos o  gruñido, para demostrarnos lo que realmente estas situaciones provocan en ellos, lamentablemente la empatía con el público general se dificulta mucho más. Y por el otro lado están los que disfrazan la falta de expresión (tanto lírica como vocal o incluso instrumental) con bellas entonaciones o muestras de compleja virtud técnica para esconder la ausencia de contenido real en su trabajo; haciendo de esta forma que quizá no sea muy convincente lo que dicen, pero si su voz está en armonía con el resto de la pieza, entonces quizá sea más fácil que te agrade.

¿Será que realmente como espectadores se nos dificulte tanto comprender un concepto, a no ser que este sea narrado de la forma más simple y descriptiva posible? La verdad es que ojalá yo pudiera (y lo digo en serio) sentirme identificado con la simple mención de una situación emocional, pero en mi caso, lamentablemente, no es tan simple. Si el contenido en frente no es realmente original, lo más probable es que no pase desapercibido.

Para finalizar el artículo voy a compartirles una canción de The Drones, publicada en el 2016 para su disco "Feelin Kinda Free", que me parece va en sintonía con todo lo relatado; una pieza cuyo valor no reside en el majestuoso registro vocal con la que se canta el estribillo, ni la extrema complejidad del asunto que trata; sino de que se nos está narrando algo que sin duda el autor está sintiendo.

Promoviendo: Lynx - Sobre lo Profundo (2017)

Lynx
Sobre lo Profundo (2017)
Género/s: Dream Pop, Jangle Pop
Similar a: Wild Nothing, DIIV, M83, Regina

Lynx es una banda oriunda de la ciudad de La Plata, que recientemente publicó su segundo disco "Sobre lo Profundo". Su estilo podría definirse como un Dream Pop con fuertes nociones de Synth que nos muestran un sonido que proviene de la escuela de Slowdive o, más moderno, Beach House; pero que no se deja delimitar tan fácil, ya que en la mayoría de las pistas nos muestran sus fuertes raíces de Post/Art Punk, con pegadizas melodías y riffs que recorren un estilo simple y efectivo que bien podría llegar a compararse con los monstruos de Television.

Aunque tenemos que admitir que hoy en día abundan muchísimo las bandas este género, predominando a nivel nacional una onda muy Cerati, acá tenemos una banda cuya esencia va por otro lado. Cada tema se basa en una estructura muy directa, lo cual permite dejar muy claro el mensaje que se quiere transmitir, a través de letras bien naturales y sonidos abrazadores. Pero a su vez, frecuentemente nos encontramos con una dualidad energética, que de forma muy estimulante nos toma inadvertidos, y nos permite disfrutar de momentos muy pesados que cambian el esquema formado, y nos sacude con sus cambios de tensión musical y potencia sonora.

A lo largo del disco, temas melancólicos y profundos se entrelazan con otros de índole más deleitable, lo cual hace fluir al álbum de una forma muy natural y consistente.

Por un lado, canciones como "Tiempo" y "Luces", se presentan como suaves baladas conducidas principalmente por bases y melodías de teclados que marcan los matices del tema mientras la intensidad sube y baja sutilmente. Por el otro tenemos canciones como "Respiro", "Tormenta" y "Celebración" que con sus pegadizos riffs de guitarra suben los ánimos, muestran un groove excelso,  y estribillos que invitan  a participar de la propuesta artística.

Para destacar, en "Un Rito" nos encontramos con una de las canciones más interesantes. El tema comienza con una percusión muy profunda e imponente, a la cual se le une un riff de guitarra muy simple, dando juntos así desde el principio, el tono de una melodía bastante minimalista, a la cual se recurrirá reiteradamente a lo largo de la canción. A medida que avanza, se nos orienta hacia un enfoque más práctico con un esquema usual de banda Pop Rock, donde los versos toman un aspecto más personal y narrativo, apoyados en un suave arpeggio de teclas y una batería más plana, como dando las explicaciones de los ideales que los coros de la sección anterior nos dejaron fuertemente grabados, para así tenerlos presentes durante toda la pista. Sobre el final, como la banda nos tiene ya acostumbrados, se rompe con la simetría armónica, para dar paso a un ascenso más crudo y efímero, que vuelve a repetirnos las bases lyricas que se nos transmiten.

A todos esto, hay que ser imparcial y denotar ciertas salvedades. Lamentablemente (en mi opinión) la producción artística no permite apreciar muchos de los aspectos más valiosos de la banda. El espíritu fresco y libre de la obra se ve ofuscada, envuelta en un ambiente extremadamente lánguido y etéreo, que en mi opinión se produce al intentar cumplir con limitaciones genéricas, que se presentan a la hora de intentar dotar cada melodía con la sonoridad original con la que las bases del estilo fueron alguna vez concebidas. Esto si bien permite lograr un aire de profesionalidad y pureza musical, pero que limitan al artista y no le permiten alcanzar su máximo nivel de expresión. Es de esta forma que se crea un ambiente menos corporal, potenciados con un sonido de batería extremadamente indefinido (tonalmente hablando), que nos deja como esperando un poco más en esos temas de rítmicas más rápidas y complacientes.

Por suerte el grupo se ve impune a estos aspectos a la hora de sonar en vivo, y logra transmitir a la perfección las vibras de vitalidad que proponen desde lo compositivo. Sus actuaciones están dotadas de expresión, sentimiento y espontaneidad, y nos invitan a participar de una conmemoración (no, no voy a caer en el chiste fácil de describirlos con la palabra "Celebración") festiva, donde se adora el sentido radiante de nostalgia, entusiasmo y alegría.

Para finalizar, quiero denotar el puesto y lugar que ocupa esta banda en el espacio y tiempo en que se encuentra. Actualmente solemos escuchar a los oyentes del Rock, que el espíritu de rebeldía y el estilo sonoro que originó el género está discontinuado y desaparecido. Si bien hay miles de formas de desautorizar este tipo de afirmaciones y entender que son extremos ridículos, creo que este tipo de bandas son las que nos dan una nueva idea de perspectiva, y ofrecen la esperanza de obtener un enfoque distinto. No hay que limitarse a lo que hicieron los géneros más simples y pesados para sonar duro, ni eliminar todo rasgo de estilos suaves y melódicos para transmitir euforia, a veces se pueden usar ciertos métodos eficaces, cuyo uso en su momento fue otro, para llegar al mismo objetivo.

Lynx es un grupo que presenta mucho potencial, y como algunos otros, esperan cumplir la promesa de eliminar los estándares y prejuicios a la hora de crear una obra. Es un intento de viajar por un camino ya recorrido, pero buscando nuevos horizontes.

 

Una introducción a mis reviews

Saludos Melómanos, en esta ocasión voy a buscar explicarles un poco de qué forma encaro las revisiones musicales que realizo en este sitio, y comentarles qué tipo de contenido voy a estar presentando en este Blog y cómo pienso organizarlo.

Contenido y secciones del blog.

El objetivo principal de este sitio es la divulgación y valoración de los discos que voy escuchando (en general soy oyente de la mayoría de publicaciones que van saliendo) haciendo principal énfasis en los álbumes que me parecen más interesantes, los que más aprecio, y las producciones que pienso que puedan pasar desapercibidas, pero que en realidad merecen una mayor atención.

Principales secciones:

- Lanzamientos de la semana  En lo posible, cada fin de semana voy a intentar crear una entrada sobre los principales discos que fueron publicados en la semana anterior. En estas reviews no voy a extenderme tanto en detalles del álbum, sino explicar un poco adonde apunta cada lanzamiento, recalcar sus puntos fuertes y debilidades, y opinar sobre quienes puedan a llegar a disfrutarlos mejor, además de recomendar algunos artistas similares.

- Temas de discusión /reflexión musical Probablemente el mayor aporte que pueda hacer a los lectores de este blog sea la creación de artículos con temáticas subjetivas, donde puedo anunciar mis reflexiones sobre temáticas de discusión relacionadas con la apreciación musical y la calidad artística.
De la misma forma, pienso también generar artículos informativos, comentando al público general ciertos aspectos que muchas veces son difíciles de comprender, o cuya descripción no es tan sencilla. Es así que voy a presentar trabajos desconocidos, consejos para poder apreciar ciertas bandas o introducirse en algunos estilos externos a lo que se nos presenta cada día por vía mainstream.

-Listados Esta sección no requiere demasiada explicación. Una forma muy simple de mostrar mi valoración sobre una selección de obras, es listarlas en un ranking (TOP) que las agrupe según mi apreciación. Por lo general (dependiendo de lo extensa que sea la lista) cada posición va acompañada de una review que justifique su puesto.

- Obras Cumbres (Álbumes favoritos) Por último, estoy interesado en ir ocasionalmente presentando críticas más extensas y descripciones de agrado, sobre las obras por las que siento un aprecio especial, ya sea porque me parecen de extrema calidad, representativas de una época cultural o porque son piezas fundamentales en el desarrollo musical, que muchas veces parecen pasar un poco inadvertidas por un alto porcentaje de los oyentes habituales. Básicamente, una sección dedicada a las joyitas que no puedo permitirles perderse.

Qué Discos entran a las Reviews Semanales.
Las reviews que hago son realizadas independientemente del género y estilo al que pertenezcan las obras. No hago diferencia por la ideología ni principio social de una realización, pero definititamente la popularidad de un trabajo influye en las posibilidades de que aparezca en una review. Si bien mi idea es promover música de calidad que quizá no posean tanto poder de difusión, el carácter de la review es indistinto; más allá que la obra sea de lo más alto del mainstream actual, o del under más desconocido, eso no dicta el valor de la misma.
Para que se comprenda; si un trabajo proviene de un intérprete famoso, y no lo reviso, es porque me pareció muy malo. Y en general, si muestro discos "que no conoce nadie", es porque realmente valen la pena escucharlos, o puedan verse beneficiados de una review que los promueva.

Cuántas veces escucho un Disco, y cómo lo hago.

Esto depende mucho del álbum en cuestión. Obviamente cualquier disco que revise fue por lo menos escuchado una vez de forma completa y de corrido para conocerlo. Muchas publicaciones requieren una par más de reproducciones para poder ser apreciadas de forma correcta, y ni hablemos de ciertas obras que me realmente gustan, y que hacen que quiera escucharlas reiteradamente.

Por otra parte existen también ciertas publicaciones a las que no le encuentro sentido en revisitarlas de forma completa, por ende simplemente reinsido únicamente en ciertas piezas de las mismas, de la forma que me parezca más adecuado para con el género y estilo del intérprete.

Criterios de juicio.

En este blog no intento venderte la música que escucho. El valor de una obra me parece que es independiente de la moda y las consignas con las que el oyente escucha. ¿Qué quiero decir con esto? Bueno básicamente que si un disco lo único que busca es ganar fanáticos y dejar satisfechos a la mayoría de los espectadores, no voy a valorarlo diciendo "Para lo que busca hacer no está tan malo como otros".

Si bajo mis ideales, un álbum no encaja con mis parámetros de calidad artística. entonces mi evaluación sobre el mismo no va a ser positiva, independientemente de la expectativa que tenga sobre el mismo. A lo sumo, puede que haga ciertas salvedades, con la intención de ser un poco optimista y de saber reconocer valores entrelazados con el resto de aspectos de la obra.

Y sí, esto lo digo porque veo cantidad de sitios que le ponen una A+ a productos como The Avengers por lo entretenidos que son.

La única excepción que voy a hacer a esto que explico acá, es cuando se trate de material "local" que necesite una mano para ser promocionado, y busque únicamente promoverlo un poco porque tenga la sensación de que eso lo ayudaría o a pedido personal de algún intérprete. Eso no quita que en la totalidad de reviews hay que encarar tanto los aspectos positivos como los negativos. Aceptar y entender la crítica también ayuda a crecer.

Por último, cualquier interesado en conseguir una review u opinión de su trabajo, comuníquense vía Twitter o Google+. De más está decir que toda participación y/o comentarios sobre esta entrada, o cualquiera del blog, es muy apreciada!

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